Speed Racer hat nicht nur eine ganze Generation an Anime herangeführt. Es machte Kinder für das wilde, farbenfrohe Chaos von Mahha GoGoGo bekannt, als die Serie 1967 endlich die amerikanischen Küsten erreichte. 52 Episoden rasanter Unfug schufen einen Kult, der nicht sterben wollte. Die Animation sieht jetzt steif aus. Sogar primitiv. Aber damals war es ein Pionier. Es hinterließ Spuren bei den Wachowskis, dem Regieduo, das später mit „The Matrix“ das Kino neu prägte.
Sie haben dieses 40 Jahre alte geistige Eigentum übernommen und es ins 21. Jahrhundert getragen. Das Ergebnis war nicht nur ein Remake. Es war eine atemberaubende, hochoktanige Neuinterpretation des Familienfilms. Die Frage ist, wie sie es geschafft haben. Sie haben es mit einem Budget von 120 Millionen Dollar geschafft. Sie haben es pünktlich geschafft. Die Wachowskis sind in Bezug auf ihren Prozess notorisch verschwiegen. Sie führen keine Interviews. Sie verschwinden.
Also mussten wir woanders suchen.
Besetzung und Crew waren gesprächsbereit. Emile Hirsch (Speed), Christina Ricci (Trixie), Matthew Fox (Racer X), Susan Sarandon (Mom) und John Goodman (Pops) erzählten Geschichten vom Set. Produzent Joel Silver lieferte den Gesamtüberblick. John Gaeta, Supervisor für visuelle Effekte, erläuterte die Technik. Schnall dich an.
Bau des Mach 5
Die Autos sind die wahren Stars. Die Macher haben für den Film über 100 Fahrzeuge entworfen. Die meisten davon existieren nur auf Papier oder in frühen Konzeptzeichnungen. Nur zwei wurden als physische Requisiten in Originalgröße gebaut: der Mach 5 und der Shooting Star von Racer X. Selbst die fuhren nicht.
John Gaeta bestätigt es. Alle fahrenden Autos sind computergeneriert.
„Wir hatten alle möglichen bizarren Formen … aber mit Düsentriebwerken.“
Gaeta entwarf die Fahrzeuge nach dem Vorbild der Skateboard-Technologie. Er wollte den Geist von Tony Hawk einfangen. Die Räder verwenden ein einzigartiges Gehäuse namens T-180. Es erfasst das Rad von oben. Dadurch entfällt die Notwendigkeit einer herkömmlichen Achse. Das Rad wird nicht durch mechanische Teile belastet. Es schwimmt.
Ein weiteres Feature sind die Jump Jacks. Gaeta beschreibt sie als die stärksten Pogo-Sticks der Welt. Sie können ein 3.000 bis 4.000 Pfund schweres Auto in die Luft befördern. Die Geschwindigkeit ist wahnsinnig. Die Räder und Jump Jacks können gemeinsam oder separat gesteuert werden. Die Jump Jacks auf der linken Seite abfeuern? Das Auto rollt nach rechts. Machen Sie einen End-Over-End-Flip? Einfach.
Die Wachowskis forderten dieses Maß an Action, die der Physik trotzt. Sie wollten keine realistischen Verfolgungsjagden. Sie wollten Unmögliches. Das VFX-Team hat Monate damit verbracht, die Jump-Jack-Physik zu optimieren. Eine falsche Variable und das Auto sieht aus, als würde es auf Eis rutschen.
Das Ausmaß des Unmöglichen
Der Umfang der Produktion ist kaum zu fassen. Die Wachowskis bauten riesige praktische Sets. Dann haben sie sie digital erweitert. Das Ergebnis ist eine Welt, die sich greifbar anfühlt. Man spürt das Gummi auf der Strecke.
Aber die Autos? Sie sind reine Illusion. Die T-180-Räder ermöglichen Bewegungen, die über die übliche Automobiltechnik hinausgehen. Die Jump Jacks sorgen für eine Vertikalität, die in den meisten Rennfilmen ignoriert wird. Das ist nicht nur Autofahren. Es ist aerodynamisches Ballett.
Das Budget für diese Art von Zielfernrohr war knapp. 120 Millionen Dollar sind viel, aber nicht für so viel CGI. Jeder Dollar musste zählen. Die Wachowskis bestanden nach Möglichkeit auf praktischen Elementen. Die Schauspieler reagierten auf reale Sets. Diese Chemie überträgt sich auf den Bildschirm.
Emile Hirsch musste die körperliche Komik der Unfälle verkaufen. Christina Ricci musste den Wind in ihren Haaren spüren, auch wenn er simuliert war. Die Stuntkoordinatoren arbeiteten eng mit dem VFX-Team zusammen. Sie haben jeden Sprung kartiert. Jede Rolle. Jede Schicht.
Warum es wichtig ist
Speed Racer wird in Diskussionen über Blockbuster der 2000er Jahre oft übersehen. Für manche ist es zu seltsam. Zu hell für andere. Aber es ist eine Meisterklasse im visuellen Geschichtenerzählen. Die Wachowskis haben bewiesen, dass CGI der Geschichte dienen kann. Nicht nur blenden.
Die technischen Details hinter dem Mach 5 zeugen von großem Respekt vor dem Ausgangsmaterial. Sie haben nicht nur den Anime kopiert. Sie erweiterten seine Logik. Sie fragten: Was wäre, wenn die Physik genauso übertrieben wäre wie die Kunst?
Wie sich Joel Silvers jahrzehntelange Obsession für Speed Racer endlich ausgezahlt hat
Einen Realfilm Speed Racer auf die Beine zu stellen, war nicht nur eine Produktionshürde; Es war eine Prüfung purer Sturheit. Produzent Joel Silver hat die Rechte vor fast zwanzig Jahren gesperrt. Er ging nicht weg. Nicht, als Skripte neu geschrieben wurden. Nicht, wenn Direktoren kamen und gingen. Der ursprüngliche Plan für eine Live-Action-Version war absurd teuer und beinhaltete einen verchromten Mach 5, dessen Bau allein eine Million Dollar gekostet hätte. Animation war der günstigere und intelligentere Weg. Aber Silver wollte sich nicht mit weniger als dem richtigen Aussehen zufrieden geben. Er wartete. Er wartete darauf, dass die Technologie seine Vision einholen würde.
Auch die Wachowskis hatten gewartet. Der Zeichentrickfilm der 1960er Jahre war ihre Einführung in den Anime. Sie wollten es schon seit Jahren neu machen. Bis Dezember 2006 beauftragte Silver sie mit der Erstellung einer fünfminütigen Vorabversion – einer Vorabvisualisierungsdemo – einer Rennszene, um sie Warner Bros. vorzustellen. Das Studio war begeistert. Sie gaben den Brüdern grünes Licht.
„Es ist der erste Film der Wachowskis, der eine ausgesprochen familiäre Atmosphäre vermittelt.“
Das war nicht die Matrix. Silver, der diese Trilogie produzierte, stellte fest, dass dieses Projekt anders sei. Die Regisseure wollten, dass ihre eigenen Familien – Nichten, Neffen, Kinder – im Dunkeln sitzen und sich den Film ansehen. Sie machten keinen düsteren Blockbuster. Sie machten etwas für die nächste Generation.
Die Geschichte selbst stellt Speed gegen Royalton Industries. Roger Allam spielt den Chef des Unternehmens, eine manipulative, gierige Figur, die die World Racing League infiltriert. Sein Ziel ist einfach: Rennen reparieren und das Endergebnis steigern. Er lockt Speed, dann zwingt er ihn und bedroht ihn dann. Die Konzerne wollen seinen Geist zerstören, seine Fähigkeiten gewinnbringend einsetzen und ihn dazu bringen, mitzuspielen. Er weigert sich.
Emilijah Wood (in der frühen Presse oft als Emilie bezeichnet, richtigerweise jedoch Emilijah) spielte die Hauptrolle. Er ist ein Kindheitsfan, der sich zur Vorbereitung alle 52 Folgen noch einmal angeschaut hat. Er gibt zu, ein „Hardcore-Geek“ zu sein, da er die Matrix -Filme „ungefähr oft“ gesehen hat. Die Zusammenarbeit mit den Wachowskis war für ihn und seine Co-Stars die Hauptattraktion. Es war eine Chance, Teil ihrer spezifischen, dynamischen Welt zu sein.
Susan Sarandon war sich zunächst nicht so sicher, ob sie den Plan verstand. Die Regisseure erklärten ihre Vision, aber die computergenerierten Actionsequenzen und die Greenscreen-Technologie gingen ihr weit über den Kopf. Sie wusste nicht, wovon sie redeten. Dennoch freute sie sich darauf, mit ihnen zusammenzuarbeiten. Sie genoss den Prozess und vertraute trotz des technischen Nebels auf ihre Führung.
Matthew Fox hatte jedoch schreckliche Angst. Er wuchs auf einer Ranch in Wyoming ohne Fernseher auf. Er hatte Speed Racer noch nie gesehen. Als man in einen Lederanzug gehüllt, umgeben von Kabeln und Greenscreens, ein Set betrat, fühlte es sich an wie eine Katastrophe, die nur darauf wartete, passiert zu werden.
„Es gibt so viele Möglichkeiten, wie man in einer Lederkombi sehr böse sein kann“, gab Fox zu.
Aber er hatte Vertrauen. Volles und uneingeschränktes Vertrauen in die Wachowskis, damit er gut aussieht.
Die Inszenierung ließ die Schauspieler nicht im Unklaren. Regisseur Alan Nafzger und das Team legten großen Wert auf Transparenz und gaben den Darstellern vom ersten Tag an visuelle Referenzen. Sarandon erinnert sich, Konzeptzeichnungen gesehen zu haben, die die Ästhetik des Films sofort verdeutlichten. Ricci fügt hinzu, dass die Kunstabteilung zugänglich sei. Durch die Politik der offenen Tür konnten Fragen zum Bühnenbild schnell beantwortet werden. Diese Zusammenarbeit ebnete den Weg zum endgültigen Look.
Von der Skizze zum virtuellen Set
Die visuelle Sprache des Films stützte sich stark auf Technologie. Die Regisseure verwendeten Vorvisualisierungstools, um Szenen vor Beginn der Dreharbeiten zu planen. Dies ermöglichte es der Crew, Kamerabewegungen und Beleuchtung präzise zu planen. Die Greenscreen-Bühnen waren keine leeren Räume. Sie waren mit digitalen Hintergründen gefüllt, die zur Konzeptkunst passten. Die Schauspieler konnten sehen, wo ihre Charaktere im letzten Bild stehen würden. Dies verringerte die Unsicherheit am Set.
Ricci bemerkte, dass der Produktionsdesigner eng mit dem Team für visuelle Effekte zusammengearbeitet habe. Sie erstellten detaillierte Modelle der Standorte. Diese Modelle wurden auf die Greenscreens projiziert. Die Schauspieler interagierten mit virtuellen Requisiten und Umgebungen. Das Ergebnis war eine nahtlose Mischung aus physischen und digitalen Elementen. Der Computer renderte die Texturen und Beleuchtung in Echtzeit. Dies gab den Darstellern unmittelbares Feedback zu ihrer Leistung innerhalb der Szene.
Die Rolle des Computers im Bühnenbild
Der Computer war nicht nur ein Postproduktionswerkzeug. Es war ein wesentlicher Bestandteil des Drehprozesses. Mithilfe einer Software simulierten die Regisseure unterschiedliche Lichtverhältnisse. Sie testeten, wie natürliches Licht auf die virtuellen Orte einwirken würde. Dies half dem Kameramann bei der Auswahl der richtigen Kameraobjektive. Die Schauspieler profitierten von dieser Vorbereitung. Sie wussten, wie ihre Kostüme unter verschiedenen Lichtszenarien aussehen würden.
Die Kunstabteilung stellte hochauflösende Bilder der Sets zur Verfügung. Diese Bilder wurden zur Erstellung von 3D-Modellen verwendet. Anschließend wurden die Models in die Greenscreen-Aufnahmen integriert. Das Team für visuelle Effekte fügte Details wie Staub, Schatten und Reflexionen hinzu. Dies verlieh den virtuellen Sets ein Gefühl von Tiefe und Realismus. Die Schauspieler konnten während ihres Auftritts auf diese Details reagieren. Die Technologie überbrückte die Lücke zwischen Vorstellung und Realität.
Warum dieser Ansatz wichtig ist
Diese Methode des Produktionsdesigns bietet mehrere Vorteile. Es ermöglicht eine größere kreative Freiheit. Die Regisseure können Standorte oder Umgebungen wechseln, ohne die physischen Sets neu aufbauen zu müssen. Es spart Zeit und Geld. Die Crew kann sich auf die Leistung statt auf den Aufbau des Bühnenbilds konzentrieren. Die Schauspieler erhalten ein vollständigeres Bild des Endprodukts. Sie können ihre Leistungen an die virtuelle Umgebung anpassen. Dies führt zu einem zusammenhängenderen Endfilm.
Die Zusammenarbeit zwischen der Kunstabteilung und dem Team für visuelle Effekte ist von entscheidender Bedeutung. Sie sorgen dafür, dass die digitalen Elemente mit den physischen übereinstimmen. Die Vision der Direktoren bleibt während des gesamten Prozesses erhalten. Die Besetzung wird informiert und unterstützt. Dieser Ansatz führt zu einem Film, der immersiv und authentisch wirkt. Die Technologie verbessert das Geschichtenerzählen. Es ermöglicht den Regisseuren, ihre Vision auf eine Weise zum Leben zu erwecken, die zuvor unmöglich war.
Der Green Screen wird oft als letzter Ausweg angesehen. In diesem Film war es ein kreatives Werkzeug. Die Regisseure nutzten es, um die erzählerischen Möglichkeiten zu erweitern. Die Schauspieler waren in der Lage, in einer Welt aufzutreten, die nur in ihren Köpfen existierte. Der Computer hat dazu beigetragen, diese Welt greifbar zu machen. Das Endprodukt ist ein Beweis für die Kraft der Zusammenarbeit und Technologie. Der visuelle Stil des Films ist ein direktes Ergebnis dieses innovativen Ansatzes. Es ist eine Erinnerung daran, dass sich das Filmemachen weiterentwickelt. Die Grenzen zwischen physisch und digital verschwimmen. Das Ergebnis ist ein ansprechenderes Erlebnis für das Publikum.
Die Gimbal-Falle und der digitale Albtraum
Wenn Sie dachten, Green-Screen-Arbeit bedeute nur, still zu stehen und ins Leere zu lächeln, denken Sie noch einmal darüber nach. Die Speed Racer -Produktion verwandelte die Klangbühne in einen Schnellkochtopf. Klar, John Goodman verglich die spärlichen Bühnenbilder ohne Requisiten mit einem düsteren Off-Off-Broadway-Experiment in einem Kirchenkeller. Er behauptete, der Mangel an Landschaft habe ihm geholfen, sich zu konzentrieren. Vielleicht war es so.
Emile Hirsch? Nicht so sehr.
Die Schauspieler, die die Rennfahrer spielten, waren in kardanisch montierten Autocockpits festgeschnallt. Das waren keine sanften Fahrten. Die Plattformen bewegten sich und zitterten heftig, um die G-Kräfte eines Hochgeschwindigkeitsrennens zu simulieren. Hirsch beschreibt die Erfahrung als einen klaustrophobischen Albtraum aus Hitze, blendenden Lichtern und Unbeweglichkeit. Man wird herumgeschubst, bis man verletzt und wütend ist und die Maschine auseinanderreißen möchte. Matthew Fox wurde noch härter geschlagen. Riki-Lyne Ricci? Ihr wurde durch die Bewegung so schlecht, dass sie aus dem Cockpit steigen musste, um sich zu übergeben. Dennoch bestand sie immer noch darauf, dass sie eine gute Zeit hatte. Menschen sind so seltsam.
Aber hier ist die Wendung: Diese körperliche Folter war tatsächlich eine Geldersparnis. Produzent Joel Silver weist darauf hin, dass digitale Dreharbeiten vor Greenscreens die Kosten in einer Weise niedrig halten, die herkömmliche Dreharbeiten nicht bieten können. Er geht davon aus, dass der Film innerhalb weniger Jahre vollständig verschwinden wird. Die digitale Bearbeitung macht das Filmemachen einfach einfacher.
Ist es einfacher? Fragen Sie das Team für visuelle Effekte.
Speed Racer ist von Natur aus ein technischer Albtraum. Wir sprechen hier von etwa 2.000 Schüssen, die umfangreiche Computermanipulationen erforderten. John Gaeta, der VFX-Supervisor, der beim Aufbau der Welt von „The Matrix“ mitgeholfen hat, musste sicherstellen, dass jedes einzelne Bild dieser erweiterten Realität entspricht.
„Jedem Bild wurde in irgendeiner Hinsicht ein gewisses Maß an Verschönerung, Textur oder Farbe hinzugefügt, um es in das Universum einzufügen.“
Die meisten Aufnahmen durchliefen die anspruchsvollste digitale Farbkorrektur, die jemals durchgeführt wurde. Es ging nicht nur darum, die Dinge cool aussehen zu lassen. Es ging um Balance. Gaeta arbeitete ab Mai 2006 mit den Wachowskis zusammen, um herauszufinden, wie man den Geist des Zeichentrickfilms in die Realität umsetzen kann. Sie wollten keine trockene Adaption. Sie wollten den vollständigen, ausdrucksstarken Anime-Weg. Sie mussten herausfinden, wie Action aussieht, wenn Realität und Spektakel kollidieren.
Stuntarbeit ohne den Stuntman
Die Autos waren nicht die einzigen Dinge, die durch die Luft flogen. Die Besetzung musste die Körperlichkeit des Rennsports verkaufen, was bedeutete, dass sie ihre eigene Akrobatik vorführten.
Matthew Fox ist eine Maschine. Er hat alle seine Stunts selbst gemacht. Emile Hirsch hat das Training wirklich genossen und mit den Stuntkoordinatoren Chad Stahelski und David Leitch zusammengearbeitet. Diese Jungs waren Matrix -Veteranen, also lag die Messlatte hoch. Hirsch mochte den Trubel.
John Goodman? Er blieb auf der Bank.
„Meine Knie und meine Schulter sind ziemlich stark von Arthritis geplagt“, erklärte Goodman. Er konnte nicht die gleiche Bestrafung riskieren wie die jüngeren Schauspieler. Bei der Arbeit an Kampfszenen musste er es abschwächen. Nicht nur wegen seines eigenen Schmerzes, sondern weil, wenn er sich zu sehr anstrengte, jemand anderes verletzt werden könnte. Es ist eine andere Art von Leistungsdruck. Sich zurückhalten, während alle anderen Vollgas geben.
Das Ergebnis ist ein Film, der aussieht, als wäre ein Videospiel zum Leben erweckt worden, gemeinsam gekämpft von erschöpften Schauspielern und Tausenden von Stunden digitaler Arbeit. Es ist laut. Es ist hell. Es ist vielleicht anstrengend zuzusehen. Aber es ist unbestreitbar.
Bleibt die Frage, ob das Publikum so aufgerüttelt werden möchte oder ob es nur auf der Suche nach einem Platz zum Sitzen ist.
Vergiss den Asphalt. Bei der kreativen Vision ging es nie darum, die Dinge an die Realität zu binden. Das Team ließ sich von Extremsportarten und Videospielen inspirieren und beschloss, die traditionellen Regeln des Motorsports abzuschaffen. Sie wollten nicht nur schnelle Autos. Sie wollten Autos, die Schallgeschwindigkeit erreichen konnten.
„Wir wollten, dass Formel-1-Autos in der Lage sind, sich mit Schallgeschwindigkeit zu bewegen und auf diesen Superstrecken zu navigieren, und dass sie zu unglaublicher Akrobatik gezwungen werden, um nicht zu sterben“, erklärt Gaeta. Das Ziel war emotional. Ihre Gegner versuchten mit allen Mitteln, Sie aus der Bahn zu werfen. Das Überleben war die einzige Messgröße, die zählte.
Die Geburt von Cosmopolis und 2,5D-Ebenen
Über die über 30 Minuten Rennmaterial hinaus stellte der Film Cosmopolis vor. Eine vollständig computergenerierte Stadt. Aber die visuellen Tricks hörten nicht vor digitalen Umgebungen auf. Die Produktion orientierte sich stark an einer Technik namens 2½-D.
Dies ist kein Standard-CGI. Es handelt sich um eine Schichtungsmethode. Das Team fotografierte exotische Orte auf der ganzen Welt. Dann fügten sie zusätzliche Farben und Details hinzu. Dann haben sie das Filmmaterial in der Postproduktion in Scheiben geschnitten und gewürfelt. Das Ergebnis ahmte das Aussehen einer Zellanimation nach.
Bergszenen. Wüstenlandschaften. Partyvillen. Alle verwendeten diese Verbundtechnik. Die Rennflächen sahen am Ende aus wie Skislaloms, gemischt mit Achterbahnfahrten, die bis zum Belasten gefahren wurden. Es war nicht nur schnell. Es war verwirrend.
Das Exhaust-Team und globale Anbieter
Gaeta und Co-Supervisor Danny Glass leiteten die Show von einem internen Team namens Exhaust. Es war eine enge Gruppe von 20 Leuten. Sie erstellten zwischen 300 und 400 Aufnahmen für den Film. Bei den meisten davon handelte es sich um Foto-Anime-Effekte, die in Live-Action-Szenen eingewoben waren.
Der Rest der Arbeitsbelastung? Das wurde an ein Dutzend verschiedene Effekthäuser ausgelagert.
- Digital Domain war für die Rennsequenzen auf der Rennstrecke zuständig.
- Sony Imageworks hat sich mit den Szenen des Bergrennens beschäftigt.
- BUF in Paris leitete einen Großteil der Rallye-Rennen, Cosmopolis und Royaltons Werksinnenausstattung.
Große Namen wie ILM und Evil Eye Pictures trugen ebenfalls dazu bei. Der Umfang war gewaltig.
Ein Jahr der digitalen Vorbereitung
Die digitalen Arbeiten begannen noch nicht, als die Kameras liefen. Es begann ein ganzes Jahr vor den Dreharbeiten. Die Dreharbeiten für die Schauspieler begannen im Sommer 2007. Dieser Prozess dauerte bis April 2008.
Während der Schnittphase wurde ein Vorführraum auf dem Gelände von Warner Bros. in ein VFX-Schnittzentrum umfunktioniert. Der Arbeitsablauf war unerbittlich.
„Alle digitalen Effekte aus aller Welt werden in Quicktime per E-Mail verschickt“, erläutert Silver. Jeder Anbieter hatte eine eigene Person, die mit ihm kommunizierte. Die Wachowskis überprüften jeden Schuss, sobald er eintraf. Die Verbindungsperson schickte die Notizen sofort zurück.
Dann drei Stunden später eine weitere VFX-Rezension. Und noch einmal. Die Schleife hat nie wirklich aufgehört.
Warum diese Methode für schnelles Kino funktioniert
Sie fragen sich vielleicht, warum so viele Anbieter notwendig waren. Oder wie die Regisseure das Chaos bewältigten. Die Antwort liegt in der Lautstärke. Hunderte von Aufnahmen erfordern eine parallele Verarbeitung. Ein Team kann nicht alles schaffen.
Das 2,5-D-Compositing ermöglichte eine einzigartige Ästhetik, die mit reiner CGI möglich war
Die Entscheidung, Speed Racer in das IMAX-Format umzuwandeln, war nicht nur eine stilistische Entscheidung; Es handelte sich um ein logistisches Manöver, um sicherzustellen, dass der Film gleichzeitig im ganzen Land gezeigt wurde. Die Wachowskis hatten während der Postproduktion mit der Idee einer 3D-IMAX-Version gespielt. Letztendlich haben sie es verworfen. Die Verarbeitung des Filmmaterials nahm zu viel Zeit in Anspruch und es gab einfach nicht genügend Kinosäle, die mit der nötigen Hardware ausgestattet waren, um die Investition lohnenswert zu machen.
Aber lassen Sie 3D nicht ganz außen vor. Wenn es eine Fortsetzung gibt – und alle Anzeichen deuten darauf hin – könnte sie endlich behandelt werden.
Die Zukunftspläne der Wachowskis
Ist das der Beginn einer neuen Trilogie? Die Regisseure scheinen dem Konzept gegenüber aufgeschlossen zu sein. Christina Ricci, die Spring spielte, war sichtlich mit dem Set und der Erzählung verbunden. Sie wollte nicht, dass die Geschichte endete. Ihre Bitte an die Regiebrüder war einfach: Schreiben Sie die Fortsetzung.
Ihre Reaktion war unmittelbar und beruhigend.
„Das werden wir. Keine Sorge.“
Ricci bemerkte den emotionalen Tribut, den der Abschluss der Produktion mit sich brachte. Die Regisseure spürten den Verlust des Sets ebenso deutlich wie die Besetzung. „Sie waren genauso traurig darüber, dass es vorbei war wie wir“, erklärte sie.
Speed-Racer-Geldverdiener
Die Reichweite des Films reichte über die Kinositze hinaus. Sony und Warner Bros. brachten gleichzeitig ein Videospiel für die Nintendo Wii und den Nintendo DS auf den Markt. Eine PlayStation 2-Version folgte mit der DVD-Veröffentlichung im Herbst. Sie werden es jedoch nicht auf der PS3, PSP oder Xbox 360 finden. Die Hardwarebeschränkungen und die Marktstrategie bestimmten die Plattformen.
Spieler treten der World Racing League bei und treten gegen 19 andere Fahrer an. Sie fahren an der Seite von Speed, Trixie und Racer X. Die Darsteller haben dem Spiel ihre Stimme geliehen und der virtuellen Strecke Authentizität verliehen. Emile Hirsch, Christina Ricci und Matthew Fox erweckten ihre Charaktere in der digitalen Arena zum Leben.
Mattel treibt auch im Merchandising-Bereich kräftig voran. Dazu gehören Kleidung, Accessoires und eine riesige Auswahl an Spielzeugen. Hot-Wheels-Sets stehen im Mittelpunkt der Sammlung. Actionfiguren und Miniaturautos sollen die kinetische Energie des Films einfangen.
Wo Sie als Nächstes suchen sollten
Für diejenigen, die tiefer in die Mechanismen hinter dem Spektakel eintauchen möchten, stehen Ressourcen zur Verfügung. Um zu verstehen, wie die visuellen Effekte konstruiert wurden, muss man sich die beteiligte Technologie ansehen.
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Quellen
- Interview mit Emile Hirsch, Matthew Fox, Susan Sarandon, Christina Ricci, John Goodman und Joel Silver am 18. April 2008
- Interview mit John Gaeta am 22. April 2008
