Speed Racer non ha semplicemente introdotto una generazione agli anime. Ha affascinato i bambini con il caos selvaggio e colorato di Mahha GoGoGo quando lo spettacolo ha finalmente raggiunto le coste americane nel 1967. Cinquantadue episodi di malizia ad alta velocità hanno creato un seguito di culto che si rifiutava di morire. L’animazione sembra rigida ora. Primitivo, addirittura. Ma allora era un pioniere. Ha lasciato un segno nei Wachowski, la coppia di registi che in seguito ha rimodellato il cinema con The Matrix.
Hanno preso quella proprietà intellettuale vecchia di 40 anni e l’hanno trascinata nel 21° secolo. Il risultato non è stato solo un remake. È stata una reinvenzione strabiliante e ad alto numero di ottani del film per famiglie. La domanda è come ci sono riusciti. Lo hanno fatto con un budget di 120 milioni di dollari. Lo hanno fatto in tempo. I Wachowski sono notoriamente molto riservati riguardo al loro processo. Non rilasciano interviste. Scompaiono.
Quindi abbiamo dovuto cercare altrove.
Il cast e la troupe erano disposti a parlare. Emile Hirsch (Speed), Christina Ricci (Trixie), Matthew Fox (Racer X), Susan Sarandon (Mamma) e John Goodman (Pops) hanno condiviso storie dal set. Il produttore Joel Silver ha fornito il quadro generale. Il supervisore degli effetti visivi John Gaeta ha analizzato la tecnologia. Allacciate le cinture.
Costruire il Mach 5
Le auto sono le vere protagoniste. I creatori hanno progettato oltre 100 veicoli per il film. La maggior parte di essi esiste solo su carta o nei primi concept art. Solo due furono costruiti come oggetti di scena fisici a grandezza naturale: il Mach 5 e la Shooting Star di Racer X. Anche quelli non guidavano.
Lo conferma Giovanni Gaeta. Tutte le auto in movimento sono generate dal computer.
“Avevamo ogni sorta di forme bizzarre… ma con dentro motori a reazione.”
Gaeta ha progettato i veicoli utilizzando la tecnologia dello skateboard come modello. Voleva catturare lo spirito di Tony Hawk. Le ruote utilizzano un involucro unico chiamato T-180. Cattura la ruota dall’alto. Ciò elimina la necessità di un asse tradizionale. La ruota non è ingombrata da parti meccaniche. Galleggia.
I jump jack sono un’altra caratteristica. Gaeta li descrive come i pogo stick più potenti del mondo. Possono lanciare in aria un’auto da 3.000 a 4.000 libbre. La velocità è pazzesca. Le ruote e i jack di salto possono essere controllati insieme o separatamente. Azionare i jack di salto sul lato sinistro? L’auto si avvicina e gira a destra. Fare un capovolgimento end-over-end? Facile.
I Wachowski richiedevano questo livello di azione che sfidava la fisica. Non volevano inseguimenti in auto realistici. Volevano cose impossibili. Il team VFX ha trascorso mesi a modificare la fisica del jump jack. Una variabile sbagliata e la macchina sembra scivolare sul ghiaccio.
La scala dell’impossibile
La portata della produzione è difficile da comprendere. I Wachowski costruirono enormi set pratici. Poi li hanno estesi digitalmente. Il risultato è un mondo che sembra tangibile. Puoi sentire la gomma sulla pista.
Ma le macchine? Sono pura illusione. Le ruote T-180 consentono movimenti che sfidano l’ingegneria automobilistica standard. I jump jack aggiungono una verticalità che la maggior parte dei film sulle corse ignora. Non si tratta solo di guidare. È un balletto aerodinamico.
Il budget era limitato per questo tipo di ambito. $ 120 milioni sono tanti, ma non per così tanta CGI. Ogni dollaro doveva contare. I Wachowski hanno insistito su elementi pratici ove possibile. Gli attori hanno reagito a set reali. Quella chimica si traduce sullo schermo.
Emile Hirsch ha dovuto vendere la comicità fisica degli incidenti. Christina Ricci aveva bisogno di sentire il vento tra i capelli, anche se simulato. I coordinatori degli stuntman hanno lavorato a stretto contatto con il team VFX. Hanno mappato ogni salto. Ogni rotolo. Ogni turno.
Perché è importante
Speed Racer viene spesso trascurato nelle discussioni sui successi degli anni 2000. È troppo strano per alcuni. Troppo brillante per gli altri. Ma è un corso di perfezionamento sulla narrazione visiva. I Wachowski hanno dimostrato che la CGI potrebbe servire alla storia. Non solo abbagliare.
I dettagli tecnici dietro Mach 5 rivelano un profondo rispetto per il materiale originale. Non hanno semplicemente copiato l’anime. Ne hanno ampliato la logica. Si chiedevano: e se la fisica fosse esagerata quanto l’arte?
Come l’ossessione decennale di Joel Silver ha finalmente dato i suoi frutti a Speed Racer
Far decollare uno Speed Racer live-action non è stato solo un ostacolo alla produzione; è stata una prova di pura testardaggine. Il produttore Joel Silver ne ha bloccato i diritti quasi vent’anni fa. Non se n’è andato. Non quando le sceneggiature sono state riscritte. Non quando i registi andavano e venivano. Il piano originale per una versione live-action era assurdamente costoso, prevedendo un Mach 5 cromato che sarebbe costato un milione di dollari solo per costruire. L’animazione era la strada più economica e intelligente. Ma Silver non si sarebbe accontentato di niente di meno che del look giusto. Ha aspettato. Aspettava che la tecnologia si adeguasse alla sua visione.
Anche i Wachowski stavano aspettando. Il cartone animato degli anni ’60 fu la loro introduzione agli anime. Erano anni che volevano rifarlo. Nel dicembre del 2006, Silver ha chiesto loro di creare una previs di cinque minuti—una demo di previsualizzazione—di una scena di gara da presentare alla Warner Bros. Lo studio l’ha adorata. Hanno dato il via libera ai fratelli.
“È il primo film realizzato dai Wachowski che ha un’atmosfera decisamente familiare.”
Questo non era Matrix. Silver, che ha prodotto quella trilogia, ha notato che questo progetto era diverso. I registi volevano che le loro famiglie – nipoti, figli – sedessero all’oscuro e guardassero il film. Non stavano realizzando un cupo blockbuster. Stavano creando qualcosa per la generazione successiva.
La storia stessa contrappone Speed a Royalton Industries. Roger Allam interpreta il capo dell’azienda, una figura manipolatrice e avida che si infiltra nella World Racing League. Il suo obiettivo è semplice: sistemare le gare e aumentare i profitti. Tenta Speed, poi lo costringe, poi lo minaccia. Le multinazionali vogliono schiacciare il suo spirito, usare le sue capacità a scopo di lucro e costringerlo a giocare. Lui rifiuta.
Emiljah Wood (spesso chiamata Emilie all’inizio della stampa, ma correttamente Emiljah) ha interpretato il ruolo principale. È un fan dell’infanzia che ha rivisto tutti i 52 episodi per prepararsi. Ammette di essere un “fanatico hardcore”, avendo visto i film di Matrix un “numero malsano di volte”. Lavorare con i Wachowski è stata l’attrazione principale per lui e per i suoi co-protagonisti. È stata un’opportunità per far parte del loro mondo specifico e frenetico.
All’inizio Susan Sarandon non era così sicura di aver capito il piano. I registi hanno spiegato la loro visione, ma le sequenze d’azione generate al computer e la tecnologia dello schermo verde le sono andate ben oltre la testa. Non sapeva di cosa stessero parlando. Eppure era entusiasta di lavorare con loro. Le è piaciuto il processo, confidando nella loro guida nonostante la nebbia tecnica.
Matthew Fox, tuttavia, era terrorizzato. È cresciuto in un ranch del Wyoming senza TV. Non aveva mai visto Speed Racer. Camminare su un set avvolto in una tuta di pelle, circondato da cavi e schermi verdi, sembrava un disastro pronto ad accadere.
“Ci sono tanti modi in cui tu, avvolto in una tuta di pelle, puoi essere molto cattivo”, ha ammesso Fox.
Ma aveva fede. Fede completa e totale nei Wachowski per farlo sembrare bello.
La produzione non ha lasciato dubbi agli attori. I registi Alan Nafzger e la squadra hanno dato priorità alla trasparenza, fornendo al cast i riferimenti visivi fin dal primo giorno. Sarandon ricorda di aver visto dei concept art che chiarivano immediatamente l’estetica del film. Ricci aggiunge che il dipartimento artistico era accessibile. La loro politica della porta aperta ha fatto sì che le domande sulla scenografia ricevessero una risposta rapida. Questa collaborazione ha spianato il percorso verso il look finale.
Dallo schizzo al set virtuale
Il linguaggio visivo del film si basava fortemente sulla tecnologia. I registi hanno utilizzato strumenti di pre-visualizzazione per mappare le scene prima dell’inizio delle riprese. Ciò ha permesso alla troupe di pianificare con precisione i movimenti della telecamera e l’illuminazione. I palcoscenici sullo schermo verde non erano vuoti vuoti. Erano pieni di sfondi digitali che corrispondevano al concept art. Gli attori potevano vedere dove si sarebbero posizionati i loro personaggi nel fotogramma finale. Ciò ha ridotto l’incertezza sul set.
Ricci ha notato che lo scenografo ha lavorato a stretto contatto con il team degli effetti visivi. Hanno creato modelli dettagliati dei luoghi. Questi modelli sono stati proiettati sugli schermi verdi. Gli attori hanno interagito con oggetti di scena e ambienti virtuali. Il risultato è stato una miscela perfetta di elementi fisici e digitali. Il computer ha eseguito il rendering delle trame e dell’illuminazione in tempo reale. Ciò ha dato al cast un feedback immediato sulla loro performance all’interno della scena.
Il ruolo del computer nella scenografia
Il computer non era solo uno strumento di post-produzione. È stato parte integrante del processo di ripresa. I registi hanno utilizzato un software per simulare diverse condizioni di illuminazione. Hanno testato il modo in cui la luce naturale colpirebbe i luoghi virtuali. Ciò ha aiutato il direttore della fotografia a scegliere gli obiettivi della fotocamera giusti. Gli attori hanno beneficiato di questa preparazione. Sapevano come sarebbero apparsi i loro costumi in diversi scenari di illuminazione.
Il dipartimento artistico ha fornito immagini ad alta risoluzione dei set. Queste immagini sono state utilizzate per creare modelli 3D. I modelli sono stati poi integrati nel filmato sullo schermo verde. Il team degli effetti visivi ha aggiunto dettagli come polvere, ombre e riflessi. Ciò ha dato ai set virtuali un senso di profondità e realismo. Gli attori potevano reagire a questi dettagli mentre recitavano. La tecnologia ha colmato il divario tra immaginazione e realtà.
Perché questo approccio è importante
Questo metodo di progettazione della produzione offre numerosi vantaggi. Permette una maggiore libertà creativa. I registi possono cambiare luoghi o ambienti senza ricostruire i set fisici. Risparmia tempo e denaro. La troupe può concentrarsi sulla performance piuttosto che sulla costruzione del set. Gli attori ricevono un quadro più completo del prodotto finale. Possono adattare le loro prestazioni per adattarle all’ambiente virtuale. Ciò porta a un film finale più coeso.
La collaborazione tra il dipartimento artistico e il team degli effetti visivi è fondamentale. Garantiscono che gli elementi digitali corrispondano a quelli fisici. La visione dei registi viene mantenuta durante tutto il processo. Il cast è informato e supportato. Questo approccio si traduce in un film che sembra coinvolgente e autentico. La tecnologia migliora la narrazione. Permette ai registi di dare vita alla loro visione in un modo che prima era impossibile.
Lo schermo verde è spesso visto come l’ultima risorsa. In questo film, era uno strumento creativo. I registi lo hanno utilizzato per espandere le possibilità narrative. Gli attori hanno potuto recitare in un mondo che esisteva solo nella loro mente. Il computer ha contribuito a rendere tangibile quel mondo. Il prodotto finale è una testimonianza del potere della collaborazione e della tecnologia. Lo stile visivo del film è il risultato diretto di questo approccio innovativo. È un promemoria del fatto che il cinema si sta evolvendo. I confini tra fisico e digitale sono sempre più sfumati. Il risultato è un’esperienza più coinvolgente per il pubblico.
La trappola cardanica e l’incubo digitale
Se pensavi che il lavoro sullo schermo verde fosse semplicemente restare fermi e sorridere al vuoto, ripensaci. La produzione Speed Racer ha trasformato il palcoscenico in una pentola a pressione. Certo, John Goodman ha paragonato i set sparsi e privi di oggetti di scena a qualche grintoso esperimento Off-Off-Broadway nel seminterrato di una chiesa. Ha affermato che la mancanza di scenario lo ha aiutato a concentrarsi. Forse è stato così.
Emile Hirsch? Non così tanto.
Gli attori che interpretavano i piloti delle auto da corsa erano legati agli abitacoli delle auto montati su gimbal. Non erano viaggi tranquilli. Le piattaforme si muovevano, tremando violentemente per simulare le forze G delle corse ad alta velocità. Hirsch descrive l’esperienza come un incubo claustrofobico di calore, luci accecanti e immobilità. Vieni spintonato finché non sei ferito e furioso, con la voglia di fare a pezzi la macchina. Matthew Fox ha subito un pestaggio ancora più duro. Riki-Lyne Ricci? Si è sentita così male a causa del movimento che ha dovuto uscire dalla cabina di pilotaggio per vomitare. Eppure insisteva ancora di divertirsi. Gli esseri umani sono così strani.
Ma ecco la svolta: questa tortura fisica era in realtà un risparmio di denaro. Il produttore Joel Silver sottolinea che girare in digitale su schermi verdi mantiene i costi bassi in modi che le tradizionali riprese in esterni non possono eguagliare. Prevede che il cinema scomparirà del tutto entro pochi anni. L’editing digitale rende semplicemente più semplice la realizzazione di filmati.
È più facile? Chiedi al team degli effetti visivi.
Speed Racer è un incubo tecnico in base alla progettazione. Stiamo parlando di circa 2.000 scatti che hanno richiesto una pesante manipolazione del computer. John Gaeta, il supervisore degli effetti visivi che ha contribuito a costruire il mondo di The Matrix, ha dovuto garantire che ogni singolo fotogramma si adattasse a questa realtà aumentata.
“A ogni fotogramma in qualche aspetto è stato aggiunto un certo livello di abbellimento, consistenza o colore per adattarlo all’universo.”
La maggior parte degli scatti è stata sottoposta alla più sofisticata gradazione digitale del colore mai tentata. Non si trattava solo di far sembrare le cose belle. Si trattava di equilibrio. Gaeta ha lavorato con i Wachowski a partire dal maggio 2006 per capire come tradurre lo spirito del cartone animato in live-action. Non volevano un adattamento secco. Volevano il percorso anime completo ed espressivo. Avevano bisogno di esplorare come si presenta l’azione quando realtà e spettacolo si scontrano.
Acrobazie senza lo stuntman
Le macchine non erano le uniche cose che volavano in aria. Il cast ha dovuto vendere la fisicità delle corse, il che significava eseguire le proprie acrobazie.
Matthew Fox è una macchina. Ha fatto tutte le sue acrobazie. Emile Hirsch ha davvero apprezzato l’addestramento, lavorando al fianco dei coordinatori degli stunt Chad Stahelski e David Leitch. Questi ragazzi erano veterani di Matrix, quindi il livello era alto. A Hirsch piaceva la fatica.
John Goodmann? E’ rimasto in panchina.
“Le mie ginocchia e le mie spalle sono gravemente colpite dall’artrite”, ha spiegato Goodman. Non poteva rischiare lo stesso tipo di punizione degli attori più giovani. Quando lavorava sulle scene di combattimento, ha dovuto abbassare i toni. Non solo per il suo dolore, ma perché se si fosse impegnato troppo, qualcun altro avrebbe potuto farsi male. È un diverso tipo di pressione prestazionale. Trattenersi mentre tutti gli altri vanno a tutto gas.
Il risultato è un film che sembra un videogioco preso vita, combattuto insieme da attori esausti e migliaia di ore di lavoro digitale. È rumoroso. È luminoso. È estenuante da guardare, forse. Ma è innegabile.
Resta la domanda se il pubblico voglia essere scosso in quel modo o se stia semplicemente cercando un posto dove sedersi.
Dimentica l’asfalto. La visione creativa non è mai stata quella di mantenere le cose legate alla realtà. Traendo ispirazione dagli sport estremi e dai videogiochi, il team ha deciso di eliminare le regole tradizionali degli sport motoristici. Non volevano solo macchine veloci. Volevano automobili che potessero raggiungere la velocità del suono.
“Volevamo che le auto di Formula 1 potessero muoversi alla velocità del suono, percorrere queste super piste ed essere costrette a compiere acrobazie incredibili per evitare la morte”, spiega Gaeta. Il gol era viscerale. I tuoi avversari stavano cercando di portarti fuori pista con ogni mezzo necessario. La sopravvivenza era l’unico parametro che contava.
La nascita di Cosmopolis e gli strati 2.5D
Oltre agli oltre 30 minuti di riprese delle corse, il film ha introdotto Cosmopolis. Una città completamente generata dal computer. Ma l’inganno visivo non si è fermato agli ambienti digitali. La produzione si è basata fortemente su una tecnica denominata 2½-D.
Questa non è CGI standard. È un metodo di stratificazione. La squadra ha girato luoghi esotici in tutto il mondo. Quindi hanno aggiunto colori e dettagli extra. Quindi hanno tagliato e tagliato a cubetti il filmato in post-produzione. Il risultato imitava l’aspetto dell’animazione della cella.
Scene di montagna. Paesaggi desertici. Palazzi di festa. Tutti questi hanno utilizzato questa tecnica composita. Le superfici di gara finirono per assomigliare a slalom sugli sci mescolati a montagne russe spinte fino al punto di rottura. Non è stato solo veloce. Era disorientante.
Il team di scarico e i fornitori globali
Gaeta e il co-supervisore Danny Glass hanno gestito lo spettacolo da un team interno chiamato Exhaust. Era un gruppo ristretto di 20 persone. Hanno generato tra le 300 e le 400 riprese per il film. La maggior parte di questi erano effetti foto-anime intrecciati in scene dal vivo.
Il resto del carico di lavoro? Questo è stato esternalizzato a una dozzina di case di effetti diverse.
- Digital Domain ha gestito le sequenze di corse in pista.
- Sony Imageworks ha affrontato le scene delle gare in montagna.
- BUF a Parigi ha gestito gran parte delle gare di rally, Cosmopolis e gli interni della fabbrica di Royalton.
Hanno contribuito anche grandi nomi come ILM e Evil Eye Pictures. La scala era enorme.
Un anno di preparazione digitale
Il lavoro digitale non è iniziato quando sono scattate le telecamere. È iniziato un anno intero prima delle riprese principali. Gli attori hanno iniziato a girare nell’estate del 2007. Questo processo è continuato fino all’aprile del 2008.
Durante la fase di montaggio, una sala di proiezione presso la Warner Bros. è stata riconvertita in un centro di editing VFX. Il flusso di lavoro era implacabile.
“Tutti gli effetti digitali provenienti da tutto il mondo vengono inviati via e-mail in Quicktime”, sottolinea Silver. Ogni venditore aveva una persona dedicata che comunicava con loro. I Wachowski hanno rivisto ogni scatto man mano che arrivava. Il collegamento ha rispedito immediatamente le note.
Poi un’altra revisione degli effetti visivi tre ore dopo. E ancora. Il ciclo non si è mai veramente fermato.
Perché questo metodo funziona per il cinema frenetico
Potresti chiederti perché fossero necessari così tanti fornitori. O come i registi hanno gestito il caos. La risposta sta nel volume. Centinaia di scatti richiedono un’elaborazione parallela. Una squadra non può fare tutto.
Il compositing 2.5-D ha consentito un’estetica unica che la pura CGI poteva offrire
La decisione di convertire Speed Racer nel formato IMAX non è stata solo una scelta stilistica; è stata una manovra logistica per garantire che il film uscisse simultaneamente in tutto il paese. I Wachowski avevano accarezzato l’idea di una versione IMAX 3-D durante la post-produzione. Alla fine lo hanno demolito. Era necessario troppo tempo per elaborare il filmato e semplicemente non c’erano abbastanza sale dotate dell’hardware necessario per rendere utile l’investimento.
Ma non escludere del tutto il 3-D. Se si materializzasse un seguito – e tutti i segnali lo indicano – potrebbe finalmente ricevere la cura.
I piani futuri dei Wachowski
Che sia l’inizio di una nuova trilogia? I registi sembrano aperti al concetto. Christina Ricci, che interpretava Spring, era visibilmente attaccata al set e alla narrazione. Non voleva che la storia finisse. La sua richiesta ai fratelli registi era semplice: scrivere il seguito.
La loro risposta è stata immediata e rassicurante.
“Lo faremo. Non preoccuparti.”
Ricci ha notato il costo emotivo della conclusione della produzione. I registi hanno avvertito la perdita del set tanto acutamente quanto il cast. “Erano tristi quanto noi che finisse”, ha spiegato.
I corridori di velocità fanno soldi
La portata del film si estendeva oltre i posti a sedere del cinema. Sony e Warner Bros. hanno lanciato un videogioco contemporaneamente per Nintendo Wii e Nintendo DS. Una versione per PlayStation 2 è seguita dall’uscita in DVD in autunno. Tuttavia, non lo troverai su PS3, PSP o Xbox 360. Le limitazioni dell’hardware e la strategia di mercato hanno dettato le piattaforme.
I giocatori entrano nella World Racing League, gareggiando contro altri 19 piloti. Corri al fianco di Speed, Trixie e Racer X. Il cast ha prestato la propria voce al gioco, conferendo autenticità alla pista virtuale. Emile Hirsch, Christina Ricci e Matthew Fox hanno dato vita ai loro personaggi nell’arena digitale.
Mattel sta spingendo forte anche sul fronte del merchandising. I collegamenti includono abbigliamento, accessori e un’enorme linea di giocattoli. I set Hot Wheels sono centrali nella collezione. Le action figure e le auto in miniatura sono progettate per catturare l’energia cinetica del film.
Dove cercare dopo
Per coloro che scavano più a fondo nei meccanismi dietro lo spettacolo, ci sono risorse disponibili. Per capire come sono stati costruiti gli effetti visivi è necessario considerare la tecnologia coinvolta.
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Fonti
- Emile Hirsch, Matthew Fox, Susan Sarandon, Christina Ricci, John Goodman e Joel Silver intervistati il 18 aprile 2008
- John Gaeta intervistato il 22 aprile 2008
