Nie było w tym nic eleganckiego. Było głośno, pachniało tanim ginem i zaspokajało potrzeby klasy robotniczej. O to właśnie chodziło.
Music Hall Entertainment, brytyjski prekursor nowoczesnych programów rozrywkowych, nie zaczynał się od wielkiej sceny. Pochodzi z tawern. Miejskie tawerny w XVIII i XIX-wiecznej Anglii organizowały koncerty, aby wypełnić pustkę między godzinami. Ludzie siedzieli przy stołach, pili i przyglądali się występom śpiewaków, komików, żonglerów i akrobatów. Sprzedaż alkoholu sprawiła, że światła były włączone.
Rząd próbował to powstrzymać.
Ustawa licencyjna z 1751 r. miała wyeliminować te „niskie” rozrywki. Ale zakończyło się katastrofalnie. Małe tawerny stały się po prostu nielegalnymi klubami muzycznymi. Duże placówki wykorzystały swój nowy status prawny do bardziej wyrafinowania: zatrudniały muzyków i instalowały dekoracje. W końcu przenieśli się z ciasnych pubów do luksusowych, złoconych pałaców. Zmieniono nazwę z „tawerna” na „salon”, a następnie na „salę muzyczną”. Oznaczało to jedno: mieszankę numerów muzycznych i komiksowych.
Dlaczego Music Hall rozwinął się w XIX wieku
Główny motor wzrostu był prosty: ludzie. Ludność miejska szybko rosła. Było więcej pracowników, więcej mężczyzn z klasy średniej z dochodami do dyspozycji i rozpaczliwie potrzebujących oderwania się od codzienności.
Ustawa o przepisach teatralnych z 1843 r. zmieniła zasady gry. Legalne teatry pozostały suchymi i bezdymnymi świątyniami sztuki wysokiej. Sale muzyczne? Można było tam pić i palić. Właściciele Publican skorzystali z okazji, anektując sąsiednie budynki, tworząc specjalnie zaprojektowane tereny.
Komedia nie była tu subtelna. Naśmiewała się z życia widzów. Wesela. Pogrzeb. Wakacje na morzu. Duże rodziny. Dzień prania. Jeśli coś było znajome, było zabawne.
Kto rozsławił Music Hall?
Charles Morton uważany jest za ojca angielskiego Music Hallu. W 1852 roku zbudował Canterbury Hall w Londynie. Nie tylko zgromadził na scenie grupę dziwnych osobowości. Stworzył mocny program muzyczny, łącząc utwory klasyczne z popularnymi melodiami.
Lista gwiazd była legendarna:
– Albert Chevalier
– Pola Łaski
– Lilly Langtry
– Harry Lowder
– Dan Leno
– Vesta Tilly
Typowy spektakl składał się z sześciu do ośmiu aktów. Możesz zobaczyć szkic komiksowy, akt żonglerki, magiczne sztuczki, mima, akrobatów, tancerza, piosenkarza, a może jednoaktową sztukę. To był maraton mieszanych talentów.
Szczyt i spadek
Na początku XX wieku skromna sala muzyczna zaczęła być przyćmiona. Prym wiodą teatry dużej różnorodności (różne pałace). Na londyńskim hipodromie wystawiano wodne dramaty z prawdziwymi basenami. W Columbie odtworzono rzymskie wyścigi rydwanów i wyścig Derby. Spektakle te były krótkotrwałe, ale podtrzymały gatunek różnorodny, gdy kino zaczęło okradać go z publiczności.
Na scenę wbiegły gwiazdy. Sarah Bernhardt, Sir George Alexander i Sir Herbert Beerbohm Three wystawili jednoaktowe sztuki. Muzycy tacy jak Pietro Mascagni i Sir Henry Wood przywieźli swoje orkiestry. W latach dwudziestych popularne piosenkarki, takie jak Nora Bayes i Sophie Tucker, przyciągały ogromne tłumy. Nawet balet Diagilewa, u szczytu swojej sławy, pojawił się w Columbus w 1918 roku w programie, w którym wystąpili także komicy i żonglerzy.
A potem pojawiły się filmy dźwiękowe.
Koniec lat dwudziestych zabił różnorodność teatru na żywo. W całej Wielkiej Brytanii sale koncertowe przekształcano w kina. Właściciele teatrów rozrywkowych próbowali walczyć. Wprowadzili „różnorodność filmową”, mieszając filmy z piosenkami na żywo. Niektóre teatry starały się pozostać otwarte od południa do północy, wykazując ciągłą różnorodność.
Większość nie powiodła się.
Ocalał Teatr Wiatrak niedaleko Piccadilly Circus. Był to jeden z niewielu ocalałych z II wojny światowej, mieszczący się w krajobrazie, który niegdyś obejmował setki sal muzycznych.
Amerykańskim odpowiednikiem był Woodville. Byli kuzynami, rozdzielonymi oceanem i kilkoma niuansami kulturowymi. Ale British Music Hall umarł, gdy na ekranie pojawił się dźwięk.
